Qu'est ce que la musique classique pour moi?

La musique classique pour moi c'est très important parce que je suis fanatique de ce type de musique.

Quand j'etais petite avec ma famille nous allions a tous les concerts de l'orchestre symphonique et philarmonique et j'étais heureux, j'ai appris à apprécier cet art, ce type de musique en spécifique, ici au Honduras la majorite des gens pensent qu'il est ennuyeux, mais c'est tout le contraire, pour moi c'est la forme d'art plus pure.

Je suis violiniste il y a 7 ans j'ai joue du violon, c'est une experience magnifique, faire musique, c'est genial quand je peut transmettre  ce que je sens a travers de la musique, a travers de mon violon.

Concert de l'Orchestre Philharmonique du Honduras

Théâtre national Manuel Bonilla

Contrepoint rigoureux

En musique, le contrepoint rigoureux (souvent appelé contrepoint) est une discipline d'écriture musicale classique qui a pour objet la superposition organisée de lignes mélodiques distinctes.

Le mot contrepoint vient du latin punctus contra punctum a morticulum, littéralement point contre point c’est-à-dire note contre note.
Le contrepoint est plus ancien que l'harmonie tonale. Initialement modal, il est le fondement de la polyphonie qui a eu cours en Occident jusqu'au début de la période baroque1. C'est durant cette dernière que l'harmonie acquiert une importance grandissante avec le développement de la tonalité. On considère généralement la musique de Bach comme la référence de l'équilibre de ces deux aspects de l'écriture musicale.

Par la suite, le contrepoint perd de son importance dans les compositions, mais conserve un grand intérêt pédagogique et demeure donc enseigné dans les écoles et conservatoires, tout en poursuivant son évolution. Ainsi, Pierre Boulez explique :

« J'ai travaillé le contrepoint en même temps que l'harmonie... deux disciplines qui doivent rester étroitement liées, car harmonie et contrepoint ne sont que les deux aspects fondamentaux de toute écriture polyphonique... Ce qu'il faudrait, c'est enseigner aux élèves toutes les disciplines de la polyphonie. »

Les choristes

Les Choristes est une comédie dramatique française réalisée par Christophe Barratier, sortie en 2004. Ce film est une adaptation du film de Jean Dréville, La Cage aux rossignols (1945), lui-même adapté par René Wheeler et Noël-Noël à partir d'une histoire de Wheeler et Georges Chaperot.

Un choral

Un choral (des chorals au pluriel) est un genre musical liturgique, d'origine luthérienne, créé au xvie siècle dans le cadre de cette réforme protestante, pour être chanté en chœur par les fidèles pendant le culte. La particularité est que les paroles sont uniquement en langue vernaculaire. Il se veut simple afin d'être chanté et retenu par les fidèles.

Opéra

Un opéra est une œuvre destinée à être chantée sur une scène, appartenant à un genre musical vocal du même nom ; l'opéra est l’une des formes du théâtre musical occidental regroupées sous l’appellation d’art lyrique.

L'œuvre, chantée par des interprètes possédant un registre vocal déterminé en fonction du rôle et accompagnés par un orchestre, parfois symphonique, parfois de chambre, parfois destiné exclusivement au seul répertoire d'opéra, est constituée d'un livret mis en musique sous forme d'airs, de récitatifs, de chœurs, d'intermèdes souvent précédés d'une ouverture, et parfois agrémentée de ballets.

Le genre musical est décliné selon les pays et les époques et recouvre des œuvres d’appellations et de formes différentes. Aujourd’hui, les œuvres sont jouées dans des salles d’opéra spécifiquement affectées ou tout simplement sur des scènes de théâtre ou dans des salles de concerts.

Les représentations sont organisées par des institutions du secteur public ou privé, parfois désignées sous le vocable de « maison d'opéra », qui peuvent regrouper les compagnies d’artistes (orchestre, chœur et ballet) et les services administratifs et techniques nécessaires à l’organisation des saisons culturelles.

L'harmonie

En musique, l'harmonie est l'émission simultanée de plusieurs sons différents.
Dans la théorie de la musique occidentale, l'harmonie étudie la construction des accords, les principes qui les gouvernent et leurs enchaînements ; on parle alors de l'aspect « vertical » de la musique par opposition à la dimension « horizontale »

Dans son acception la plus courante, relative aux simultanéités dans la musique, l'harmonie a suscité une abondante littérature, depuis Platon et Aristote, jusqu'à Hindemith ou Messiaen. Cependant, même dans ce domaine précis, le terme peut revêtir différentes significations — historiquement liées — depuis la plus large — composante musicale intégrant des simultanéités —, jusqu'à la plus étroite — science des accords —, en passant par les différentes évolutions du concept au xxe siècle. Il est dérivé du grec harmonia, signifiant initialement « arrangement », « ajustement », et désignant plus précisément la manière d'accorder la lyre.

Orchestre symphonique du Honduras

Un film de musique classique ;)

Itzhak Perlman

Itzhak Perlman né le 31 août 1945 à Tel Aviv est un violoniste et professeur de musique israélien. Il est considéré comme l'un des plus grands violonistes du xxe siècle et du xxie siècle.

Martha Argerich

Martha Argerich, née à Buenos Aires le 5 juin 1941, est une pianiste argentine.
Enfant prodige du piano, elle a apporté à l'interprétation du répertoire romantique et moderne un souffle nouveau qui l'a propulsée rapidement sur le devant de la scène internationale. Plusieurs des grands concertos pour piano et orchestre tels ceux de Chopin, Schumann, Liszt, Tchaikovsky, Ravel, Prokofiev et Rachmaninov ont trouvé en Martha Argerich une interprète flamboyante et réfléchie. Fuyant la publicité, elle s'éloigne de la scène pendant une partie importante de sa carrière1. Artiste exigeante et femme de caractère, elle n'accorde que peu d'entrevues, et ne joue plus, depuis quelques années, qu'en formation de musique de chambre ou avec orchestre. Elle est considérée comme une des pianistes les plus talentueuses de son époque.

Pinchas Zukerman

Il commence avec son père Yehuda, musicien klezmer, l'étude de la flûte à bec et de la clarinette. Il entre ensuite au conservatoire de Tel-Aviv dans la classe de violon d'Ilona Feher où il est remarqué par le violoniste Isaac Stern et le violoncelliste Pablo Casals. Avec leur soutien (et celui de différents fondations artistiques), il part en 1962 se perfectionner aux États-Unis, à la Juilliard School dans la classe d'Ivan Galamian. En 1967, son premier prix au 25e Concours international Leventritt lance sa carrière de soliste et de chambriste : ses partenaires musicaux s'appelleront désormais Daniel Barenboim, Jacqueline du Pré, Itzhak Perlman, Vladimir Ashkenazy…

En parallèle, il mène également une intense activité de chef d'orchestre :

De 1980 à 1987, il est directeur de l'Orchestre de chambre de Saint-Paul (dans l'État américain du Minnesota) et, depuis avril 1998, il est directeur musical de l'Orchestre du Centre national des arts (National Arts Centre Orchestra) d'Ottawa, centre avec lequel il a lancé plusieurs projets pédagogiques auprès des jeunes musiciens canadiens.

Enseignant également à la Manhattan School of Music, il fait figure de précurseur en utilisant la vidéoconférence et internet pour donner certains cours.

Sa discographie compte plus d'une centaine de disques, dont deux ont été récompensés par des Grammy Awards.

Il a été marié de 1968 à 1985 à la flutiste Eugenia Rich-Zukerman, de 1985 à 1998 à l'actrice américaine Tuesday Weld. Il est marié à Amanda Forsyth, premier violoncelle. En 2003, il a créé son propre ensemble de chambre, les Zukermann Chamber Player.

Yo-Yo-Ma

Né en France à Paris de parents chinois, Marina Lu (chanteuse) et Hiao-Tsiun Ma (violoniste et professeur de musique), Yo-Yo Ma commence à quatre ans l'étude du violoncelle avec son père, puis la poursuit au conservatoire de Saint-Germain-en-Laye avec Mme Lepinte Bèche, élève du maître Paul Bazelaire[réf. souhaitée]. Après un premier concert à six ans à Paris, il part avec ses parents à New York, où il suit l'enseignement de Leonard Rose à la Juilliard School. Il entame sa carrière professionnelle auprès deLeonard Bernstein et revient en France pour jouer avec l'Orchestre national de France et l'Orchestre de Paris, sous la direction de Myung-Whun Chung. Yo-Yo Ma sort en 2004 un album dans lequel il reprend, sous la direction d'Ennio Morricone, et en collaboration avec le Roma Sinfonietta Orchestra, les plus grandes musiques de films du compositeur italien. 

Janine Jansen

Née dans une famille musicienne (notamment son père et son frère aîné), Janine Jansen a commencé la pratique du violon à l'âge de six ans. Elle a par la suite étudié avec Coosje Wijzenbeek, Philippe Hirshhorn et Boris Belkin (en). Elle a fait ses débuts en public en 1997 avec le Concertgebouw d'Amsterdam, et est depuis devenue célèbre dans son pays, recevant en septembre 2003 le Prix néerlandais de la musique par le Ministère de la Culture. Ses apparitions en 2006 à Berlin, avec l'Orchestre philharmonique et en 2008 à Los Angeles ont étendu sa renommée de violoniste internationale. Invitée par les plus grands orchestres, elle est néanmoins une passionnée de musique de chambre. Elle a, entre autres, enregistré les Inventions et les Partitas de Bach, et des œuvres de Britten et de Chostakovitch, et a créé le Festival international annuel de musique de chambre d’Utrecht.

Elle joue sur le violon Barrere d'Antonio Stradivari (1727).

Une sonate

Une sonate est une composition instrumentale de musique classique à plusieurs mouvements. Il ne faut pas la confondre avec l'une des formes les plus importantes de la musique de chambre : la forme sonate.

Le concerto

Le concerto, mot d'origine italienne, est une forme musicale composée généralement de trois mouvements (un rapide, un lent, un rapide), où un ou plusieurssolistes dialoguent avec un orchestre. D'origine italienne, il se développa pendant la période baroque et fut une des formes musicales les plus prisées pendant les périodes classiques et romantiques.

Un quatuor à cordes

Un quatuor à cordes est, en musique classique, un ensemble musical (un groupe de musiciens) composé de quatre instruments à cordes — généralement deux violons, un alto et un violoncelle. Le quatuor à cordes est une formation majeure de la musique de chambre : parmi les nombreuses combinaisons possibles — depuis le duo au dixtuor — le quatuor est, avec le trio piano, violon, violoncelle, la formation dont le répertoire est le plus étendu.

Un quatuor à cordes est également une forme musicale dédiée à ce type de formation — plus exactement, une sonate « en quatuor ». Cette forme musicale se développe dans le cadre du style galant et sous l'influence du divertimento vers le milieu du xviiie siècle. Elle a pour origine le regroupement des instruments à cordes au sein de l'orchestre, les contrebasses se contentant de doubler les violoncelles. Si les premiers quatuors de Luigi Boccherini sont en fait des symphonies pour cordes, Stamitz et Gossec distinguent parmi leurs quatuors ceux qui doivent être joués à quatre de ceux qui doivent être joués par un orchestre (par exemple l'opus 14 de Stamitz est titré Quatuors pour orchestre).

Orchestre de chambre

Dans la musique instrumentale classique, un orchestre de chambre est un orchestre de taille modeste — d'une trentaine de musiciens maximum — destiné auxœuvres du xviie siècle au xixe siècle n'exigeant pas un très grand nombre d'instrumentistes. Malgré son nom, ce genre de formation n'appartient pas au domaine de la musique de chambre : néanmoins on peut noter le caractère intimiste de ses prestations, souvent en lien avec le lieu de la représentation (des salons, des églises, ou, tout simplement, des salles de concert de dimensions réduites).

Son répertoire habituel peut être constitué de cantates, oratorios (partitions dans lesquelles l'orchestre accompagne le chant, choral ou soliste), etc, mais il est bien entendu qu'il peut aussi comporter des œuvres très diverses, conçues pour orchestre seul, telles que des suites (enchaînement de pièces, à l'origine ayant le caractère de la danse, et qui sont tirées ou non d'une œuvre plus importante).

L'orchestre de chambre est constitué de musiciens regroupés en pupitres : il ne s'agit pas d'un ensemble de solistes.

Ce type d'ensemble musical s'oppose à l'orchestre symphonique dont les effectifs sont adaptés à des salles de plus grandes dimensions, et à un répertoire spécifique.

Orchestre

Un orchestre symphonique ou orchestre philharmonique est un ensemble musical formé des quatre familles d'instruments1 : cordes, bois, cuivres et percussions. L'orchestre symphonique est issu de l'orchestre à cordes de la période baroque qui progressivement s'est étoffé de hautbois, de bassons, parfois de cors, de trompettes, et de timbales. La période classique avec Gossec, Haydn ou Mozart voit souvent les vents s'architecturer par deux (2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 cors, 2 trompettes). Les pupitres de la période romantique s'ordonnancent plutôt par trois avec l'ajout plus ou moins systématique d'instruments comme le piccolo, le cor anglais, la clarinette basse, les saxophones, le contrebasson, les trombones ou le tuba. C'est aussi la période qui connaît la grande évolution des percussions. Au début du xxe siècle, l'orchestre symphonique peut être de grande taille, généralement, plus de quatre-vingts musiciens, l'effectif dépassant parfois la centaine d'instrumentistes.

Depuis la fin du xviie siècle, sa principale fonction est dédiée à l'exécution, dans les salles de concert, d'œuvres symphoniques ou concertantes, profanes ou sacrées. Cette formation est également utilisée pour l'accompagnement en fosse, dans les salles d'opéra, des représentations d'art lyrique ou chorégraphique. Les compositeurs de musiques de film, héritières des musiques de scène, utilisent eux-aussi toutes les ressources musicales et expressives de l'orchestre symphonique.

La harpe

La harpe est un instrument de musique à cordes pincées de forme le plus souvent triangulaire, muni de cordes tendues de longueurs variables dont les plus courtes donnent les notes les plus aiguës. C'est un instrument asymétrique, contrairement à la lyre dont les cordes sont tendues entre deux montants parallèles. L'instrumentiste qui joue de la harpe est appelé harpiste.

La clarinette

La clarinette (du provençal clarin, « hautbois »1) est un instrument de musique à vent de la famille des bois caractérisée par son anche simple et sa perce quasi cylindrique. Elle a été créée vers 1690 par Johann Christoph Denner (1655-1707) à Nuremberg sur la base d'un instrument à anche simple plus ancien : le « chalumeau ». La clarinette soprano (en si♭) est le modèle le plus commun.

La perce cylindrique de la clarinette la distingue du hautbois et du saxophone, tous deux à perce conique, et lui confère une aptitude au quintoiement2. Son timbre chaud dans le registre grave, peut s'avérer extrêmement brillant voire perçant dans l'aigu.

Le cor d'harmonie

Le cor d'harmonie (French horn en anglais) est un instrument à vent de la famille des cuivres. C'est la version moderne du cor à pistons inventé au xixe siècle sur la base du cor naturel.

Il est caractérisé par son embouchure, sa perce conique qui lui confère un son doux et riche en harmoniques, son large pavillon et un ensemble de pistons permettant à l'exécutant de modifier instantanément la longueur, et donc l'accord, de l'instrument.
Le musicien qui joue du cor est un corniste (à ne pas confondre avec le cornettiste qui joue du cornet à piston ou le choriste qui fait partie d'une chorale).

Le cor moderne ou cor d'harmonie est présent dans les orchestres symphoniques, de nombreux ensembles de musique de chambre et dans les orchestres d'harmonie ; il est par ailleurs souvent sollicité dans les musiques de films de toutes sortes, pour les dessins animés et les bruitages. Il est utilisé plus rarement dans le jazz.

Le hautbois

Le hautbois est un instrument de musique à vent de la famille des bois, de perce conique et dont le son est créé par la vibration d'une anche double au passage du souffle. Son timbre peut être puissant et sonore ou doux et charmeur, clair ou plein de rondeur et de chaleur. Le joueur de cet instrument est un hautboïste.

Connu dès l'antiquité, l'instrument a évolué dans l'espace et dans le temps avec une diversité qui n'a d'égale que la créativité des civilisations et cultures dans lesquelles cet instrument est encore utilisé de nos jours. Les hautbois traditionnels (bombarde, cornemuse, duduk, gaïta, hichiriki et autre zurna) et les hautbois modernes (musette, hautbois, hautbois d'amour, cor anglais et hautbois baryton, hautbois baroque, hautbois classique) forment une grande famille aux multiples facettes.

La flûte traversière

La flûte traversière est un instrument à vent de la famille des bois. La flûte traversière partage, avec les instruments de la famille des flûtes, la méthode de production du son : l'air soufflé est mis en vibration par unbiseau disposé à l'embouchure.

Contrairement à la flûte de Pan, la flûte traversière ne comprend qu'un seul tuyau.

Le piano

Le piano est un instrument de musique polyphonique à clavier de la famille des instruments à cordes frappées.

Le nom de l'instrument provient d'une abréviation de piano-forte, nom de son ancêtre du xviiie siècle décrit précisément par son inventeur comme un « gravecembalo col piano e forte », un clavecin avec la possibilité denuancer le son directement par la frappe des touches, ce qui jusque-là était pratiquement impossible avec les autres instruments à clavier et ainsi de jouer aussi bien piano, (doucement) que forte (fort). (De nos jours, en France, on réserve le nom de pianoforte aux instruments anciens, assez différents du piano moderne.) L'appellation « piano » courante en anglais et dans les langues latines hormis l'italien où il se nomme toujourspianoforte varie d'une langue européenne à l'autre

La contrebasse

La contrebasse est un instrument grave de la famille des instruments à cordes.
Elle peut se jouer en frottant les cordes avec l'archet (arco) ou en les pinçant avec les doigts (pizzicato). La contrebasse est très utilisée en musique classique au sein des orchestres symphoniques, et en musique contemporaine. En jazz, elle fait partie de la section rythmique. La contrebasse est également utilisée dans les autres styles comme le blues, le bluegrass, le rock and roll, le rockabilly, le jazz rap, le tango ou depuis peu dans le hard rock et le metal.

L'alto

L'alto fait partie de la famille des instruments à cordes frottées. Il est très semblable au violon, mais il est plus grand, plus épais, et plus grave (d'une quinte). Sa gamme de fréquences fondamentales va de 128 Hz à 2 600 Hz.

Dans un quatuor à cordes (2 violons, alto, violoncelle), l'alto tient la même place que le ténor dans un ensemble vocal (soprano, alto, ténor et basse).

Son répertoire est vaste, de la fin de la Renaissance à nos jours. Les œuvres majeures pour cet instrument datent du xviiie siècle, avec le concerto de Georg Philipp Telemann, la Symphonie concertante pour violon et alto de Wolfgang Amadeus Mozart et les œuvres de Stamitz, Hoffmeister et Rolla. Au xxe siècle, beaucoup de compositeurs ont écrit un concerto pour alto dont Béla Bartók, Paul Hindemith et William Walton, etc. (voir la liste des principales œuvres pour alto)

L'alto est bien sûr présent dans tout le répertoire d'orchestre et surtout en musique de chambre, avec le quatuor à cordes.

Le violoncelle

Le violoncelle est un instrument à cordes frottées (mises en vibration par l'action de l'archet) ou pincées (le pizzicato) de la famille des violons, qui compte aussi l'alto et la contrebasse. Il se joue assis et tenu entre les jambes ; il repose maintenant sur une pique escamotable, mais fut longtemps joué posé entre les jambes, sur les mollets ou sur la poitrine.

Ses quatre cordes sont accordées en quintes : do, sol, ré et la (du grave vers l'aigu), comme pour l'alto. Le violoncelle est accordé une octave en dessous de ce dernier, soit une douzième (une octave plus une quinte) en dessous du violon. C'est l'un des instruments ayant la tessiture la plus grande. Sa gamme defréquences fondamentales va approximativement de 65 Hz à 1 000 Hz (voire 2 000 Hz dans certaines œuvres virtuoses). On dit souvent que c'est l'instrument le plus proche de la voix humaine.

Le violon

Le violon est un instrument de musique à cordes frottées. Constitué de 71 éléments de bois1 (érable, buis, ébène, etc.) collés ou assemblés les uns aux autres, il possède quatre cordes accordées à la quinte, que l'instrumentiste, appelé violoniste, frotte avec un archet ou pince avec l'index ou le pouce (en pizzicato). Dans les formations de musique classique telles que le quatuor à cordes ou l'orchestre symphonique, le violon est l'instrument le plus petit et de tessiture la plus aiguë parmi sa famille ; celle-ci inclut l'alto, le violoncelle et la contrebasse2. Sa création remonte au xvie siècle. Très vite popularisé, il occupe une place importante de la musique classique occidentale : de grands compositeurs ont écrit pour cet instrument (concertos, musique de chambre, pièces symphoniques, etc.) voire en jouaient eux-mêmes (Vivaldi, Bach, Mozart, etc.), et certains violonistes du xixe siècle ont acquis une grande renommée, notamment Paganini.

Musique Populaire

La musique populaire désigne les genres de musique ayant un large public et aujourd'hui généralement distribué à de larges audiences (musique commerciale passant généralement a la radio) via l'industrie musicale.

Jazz

Le jazz est un genre musical originaire du Sud des États-Unis, créé à la fin du xixe siècle et au début du xxe siècle au sein des communautés afro-américaines. Avec plus de cent ans d'existence, du ragtime au jazz actuel, il recouvre de nombreux sous-genres marqués par un héritage de la musique euro-américaine et afro-américaine, et conçus pour être joués en public1. Il émerge à partir d'autres genres musicaux, dont le ragtime, la marche, le negro spiritual et le blues, et comporte des caractéristiques telles que l'utilisation fréquente de l'improvisation, de la polyrythmie, de la syncope, du shuffle, du scat et des notes bleues2. En outre, il emprunte de nombreux éléments à la musique populaire américaine (en) et à la tradition des brass bands3. Couramment associé aux cinq instruments emblématiques du jazz — le saxophone, la trompette, le trombone, la clarinette et le piano —, le jazz mobilise cependant un grand nombre d'instruments différents, dont la guitare, la batterie, et la contrebasse.

Musique Moderne

On désigne souvent par musique moderne la musique savante composée pendant la première partie du xxe siècle, le terme de musique contemporaine pouvant s'appliquer à la deuxième moitié. On regroupe donc sous cet intitulé des compositeurs aussi différents que Claude Debussy, Satie, Francis Poulenc, le « Groupe des Six », Igor Stravinski, Béla Bartók, Georges Enesco, Georges Gershwin, Richard Strauss, Maurice Ravel, Arnold Schönberg, Jean Sibelius...

Seule la chronologie est significative, car cette période n'a pas d'unité de style : elle est au contraire celle de la floraison d'expériences et d'esthétiques diverses et souvent opposées, en particulier dans le cadre de la trialité « musique tonale — musique modale — musique atonale » qui se développe à cette époque ; certains compositeurs resteront cependant et parfois volontairement à l'écart des évolutions en cours.

La musique impressionniste

La musique impressionniste est un genre musical appartenant à la période moderne qui vit le jour en Europe dans le dernier quart du xixe siècle et dont le principal représentant est Claude Debussy. Elle est caractérisée par une écriture dans le temps non pas linéaire mais au contraire faite de successions d'impressions. On [Qui ?] reconnaît dans cette musique, pour son couplage entre une tonalité très recherchée et la modalité, une grande sophistication. Le terme impressionnisme en musique fait depuis longtemps débat, les compositeurs eux-mêmes ayant exprimé en leur temps une grande réticence devant cette appellation. Le compositeur et musicographe André Boucourechliev (1925-1997) exprime cette prudence en dénonçant la « fameuse dénomination d'impressionniste qui a été appliquée à Debussy, si souvent récusée - et néanmoins si tenace. » Boucourechliev limite ce rapprochement entre la peinture impressionniste et la musique impressionniste en admettant toutefois que Debussy « renvoie [..] à la peinture- qu'on le veuille ou non, à la peinture impressionniste. » (ibid) Si la musique peut être impressionniste, c'est en ceci qu'elle renvoie à la poétique de l'instant.

Musique romantique

L'expression musique romantique désigne un type de musique qui domine en Europe tout au long du xixe. Ce courant musical aux formes variées qui met au premier plan l'expression de l'émotion s'inscrit dans le mouvement esthétique européen duromantisme qui touche les arts et la littérature sous l'influence de l'Angleterre et de l'Allemagne où s'approfondit une nouvelle sensibilité à partir de la fin du XVIIIe siècle. De nombreux compositeurs célèbres s'illustreront dans cette longue période aussi bien dans la musique instrumentale et orchestrale que dans l'art lyrique et vocal.

Le piano-forte, en remplaçant le clavecin, permet désormais d'exploiter de puissants contrastes de dynamique. De la même façon, l'orchestration devient de plus en plus audacieuse et élaborée, d'autant plus que certains instruments, comme le cor, sont modifiés par les facteurs d'instruments de manière à devenir plus maniables. Les sonorités inventées par les romantiques sont particulièrement colorées et évocatrices, davantage en tout cas que chez des classiques comme Joseph Haydn ou Wolfgang Amadeus Mozart. À la jonction de ces deux courants se situe la puissante personnalité de Ludwig van Beethoven, dont les premières œuvres se rattachent à l'esthétique classique tandis que celles de sa maturité sont considérées comme le début du romantisme musical.

Tout au long du xixe siècle, la musique romantique conservera dans ses caractéristiques une certaine continuité, une homogénéité temporelle de style, que les autres formes artistiques du romantisme ne connurent pas. À la base de cette continuité se trouve peut-être une idéologie philosophique : la musique devenait enfin une réelle forme d'art. La musique commençait à prendre une toute autre dimension : elle n'était désormais plus considérée comme un art mineur, œuvre d'artisans. Par conséquent, ce qui caractérise la musique romantique est surtout l'individualité dans les styles. Cette époque incarne avant tout la liberté.

La période classique

La période classique en musique recouvre par convention la musique écrite entre la mort de Johann Sebastian Bach soit 1750 et le début de la période romantique, soit les années 1820. Par extension, on appelle « musique classique » toute la musique savante européenne, de la musique du Moyen Age à la musique contemporaine. Il convient donc de bien dissocier la musique de style classique, dont les compositeurs phares sont Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini,François-Joseph Gossec, Domenico Cimarosa, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Franz Schubert et la musique classique opposée à la musique populaire, en Occident ou ailleurs 

Il convient de remarquer, avant d'aller plus loin, que le terme « classicisme » en musique n'a que peu de lien avec son emploi dans les autres formes d'art et en littérature particulièrement. Il est frappant de remarquer que les tragédies de Racine sont considérées comme le modèle du théâtre classique français, mais ne sont absolument pas contemporaines de Mozart ou de Gluck, encore moins de Beethoven.

D'autre part, les limites de la période classique en musique sont extrêmement floues, ainsi que le résume Pierre du Colombier : « Comme d'autres termes généraux et vagues désignant une époque littéraire et artistique [...], le mot classicisme défie toute précision1 ».

L'évolution de la musique au xviiie siècle comme à toute époque s'est ainsi faite à des rythmes différents selon les compositeurs et les pays. Depuis le xixe siècle, la période définie comme classique en France a aussi beaucoup évolué dans le temps. Jean-François Paillard situe ainsi la musique française classique entre 1600 et la mort de Rameau2 (1764), mais la définition contemporaine se baserait plus sur les compositeurs allemands et autrichiens, renvoyant de façon très discutable les Français de la seconde moitié du xviie siècle et la première moitié du xviiie à la dénomination « baroque ».

Enfin, la fin de l'ère baroque ne signifie pas forcément le début de l'ère classique ; on appelle ainsi « préclassiques » les compositeurs faisant la charnière, et plus particulièrement ceux de l'école de Mannheim, et les fils Bach : Carl Philipp Emmanuel Bach, « compositeur révolutionnaire » selon Karl Geiringer3, mais aussi Jean Chrétien Bach, qui exerceront notamment une influence décisive sur le jeune Mozart.

De fait, on ne peut vraiment parler de période classique de la musique germanique dans le plein sens du terme qu'entre 1780 et 1800. La période classique survient juste après la période baroque.

Le baroque

Le baroque couvre une grande période dans l’histoire de la musique et de l'opéra. Il s’étend du début du xviie siècle environ au milieu du xviiie siècle, de façon plus ou moins uniforme selon les pays. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance, apogée du contrepoint et de la polymélodie, et précèdent celles du classicisme, naissance d'éléments discursifs et rationnels, comme la phrase musicale ponctuée comme dans l'architecture. Les « figures » musicales baroques sont soutenues par une basse continue très stable. Nous pouvons dire que nous sommes à la jonction entre contrepoint et harmonie.

Le mot « baroque » vient vraisemblablement du portugais barroco qui désigne des perles de forme irrégulière. Il fut choisi pour qualifier, au début de façon péjorative, l’architecture baroque venue d’Italie. Le mot n'a été utilisé pour parler de la musique de cette époque qu'à partir des années 1950 (en 1951, création de « L'Ensemble Baroque de Paris » par le claveciniste français Robert Veyron-Lacroix). Toute connotation péjorative a disparu depuis lors, et le terme tend davantage maintenant à désigner la période de composition que le caractère de l’œuvre.

Musique de la Renaissance

On désigne par musique de la Renaissance la musique européenne composée pendant la Renaissance, approximativement entre les années 1400 et 1600. Il s'agit d'une convention : si la dernière date n'est guère contestable à l'égard de l'évolution importante du début du xviie siècle, et qui marque le début de la période baroque, il n'en est pas de même pour le début de cette période. Ces deux siècles se situent clairement, en ce qui concerne la musique, en continuité avec ce que nous appelons le Moyen Âge tardif, avant d'acquérir des traits spécifiques.

Instruments[modifier 

La Renaissance est une période où beaucoup d'instruments furent créés, découverts. Ci-dessous se trouve la liste des instruments utilisés à la Renaissance. Certains étaient déjà connus durant l'Antiquité ou au Moyen Âge, d'autres furent créés à la Renaissance. Parmi ces derniers, la famille des cromornes n'a été utilisée que pendant cette période. D'autres tel la trompette ont subi quelques modifications avec le temps et sont encore utilisés aujourd'hui.

Les instruments à cordes

La viole de gambe

La viola da braccio

La lyre

La harpe (innovation de la Renaissance : la arpa doppia sous toutes ses formes, doubles et triples rangées, cordes croisées)

Le luth

La cithare

La vihuela

Le violon qui apparaît dans les années 1520 dans un rayon de 80 km autour de Milan, en Italie

La vielle à roue

Les bois

La flûte à bec

La flûte traversière

La flûte de pan

La chalemie

La bombarde (qui appartient à la même famille que la chalemie)

Le douçaine (basson Renaissance)

Le cromorne

La cornemuse

Le graïl, aussi appelé hautbois occitan ou gralla

Les cuivres

Le cornet à bouquin

La sacqueboute

Le trombone

La trompette

Les instruments à clavier

Le clavecin

Le virginal

L'orgue

L'orgue de barbarie

Les instruments de percussion

Le tambour de basque, couramment appelé tambourin

La musique classique occidentale

En donnant une suite à la musique de la Grèce antique et à celle de la Rome antique, la musique classique occidentale trouve son origine dans le chant chrétien diffusé par les communautés des premiers siècles. L'unification des rites fera évoluer la musique vers le chant grégorien, monodique et apparaîtra alors le premier système d'écriture musicale en occident.

La polyphonie interviendra dans les siècles suivants, qui nécessitera une écriture plus précise, mise en forme par le moine Guido d'Arezzo. La transmission de la musique populaire étant orale, seule la musique sacrée du Moyen Âge des écoles successives (ars antiqua et ars nova) parviendra jusqu'à nous. Les troubadours, des gens instruits, furent les premiers à introduire des thèmes de musique populaire dans la musique savante1. La pré-renaissance verra se développer essentiellement les écoles de musique franco-flamandes qui seront à l'origine de la théorie de l'harmonie.

Origines de la musique

Il est très difficile de dater, même approximativement, son origine. Le rythme et la mélodie sont toujours présents dans la musique et il est difficile de savoir lequel des deux fut le point de départ de cet art ancestral (chants, battements de mains, choc de pierres ou de morceaux de bois). On en trouve encore quelques traces de nos jours, dans des peuplades d'Afrique ou d'Amérique.

On ne peut avancer une date précise pour l'apparition de la musique. La musique est une forme d'expression. Au début, la musique des hommes qui vivaient sur Terre à ces époques lointaines n'était pas semblable à la nôtre. Les mélodies qu'ils inventaient traduisaient des sentiments, des émotions élémentaires. Le rythme leur donnait vie. La danse est la musique du corps et ils dansaient et martelaient le sol avec les pieds pour accompagner leur musique. Leurs danses consistaient entièrement en mouvements du corps et des bras, lents ou endiablés, doux ou violents, selon le sentiment exprimé.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach Prononciation du titre dans sa version originale Écouter, en français Jean-Sébastien Bach, né à Eisenach le 31 mars (21 mars) 1685, mort à Leipzig le 28 juillet 1750, est un musicien, notamment organiste, et compositeur allemand.

Membre le plus éminent de la famille Bach — la famille de musiciens la plus prolifique de l'histoire —, sa carrière s'est entièrement déroulée en Allemagne centrale, dans le cadre de sa région natale, au service de petites municipalités, de cours princières sans importance politique, puis du conseil municipal de Leipzig qui lui manifestait peu de considération : il n'a ainsi jamais pu obtenir un poste à la mesure de son génie et de son importance dans l'histoire de la musique occidentale, malgré la considération de certains souverains allemands (tel Frédéric le Grand) pour le « Cantor de Leipzig ».

Orphelin de bonne heure, sa première formation a été assurée par son père Johann Ambrosius Bach, puis par son frère aîné Johann Christoph Bach, mais il a aussi été un autodidacte1 passionné de son art, copiant et étudiant sans relâche les œuvres de ses prédécesseurs et de ses contemporains, développant sa science de la composition et particulièrement du contrepoint jusqu'à un niveau inconnu avant lui et, depuis lors, jamais surpassé2. Johann Sebastian Bach a été un virtuose de plusieurs instruments, le violon et l'alto, mais surtout le clavecin et l'orgue. Sur ces deux derniers instruments, ses dons exceptionnels faisaient l'admiration et l'étonnement de tous ses auditeurs ; il prétendait jouer tout à première vue, et pouvait improviser sur le champ une fugue à trois voix. Il avait aussi une compétence reconnue et très sollicitée en expertise de facture instrumentale.

Musique classique et musique populaire

La musique classique désigne habituellement l'ensemble de la musique occidentale savante d'origine liturgique et séculière, par opposition à la musique populaire, depuis la musique médiévale à nos jours. L'adjectif classique ne se réfère stricto sensu qu'à la musique de la période classique écrite entre le milieu du xviiie siècle et l'avènement de la musique romantique dans les années 18201.

Claude Debussy

Claude Debussy est un compositeur français, né le 22 août 1862 à Saint-Germain-en-Laye et mort le 25 mars 1918 à Paris.

En posant en 1894 avec Prélude à l'après-midi d'un faune le premier jalon de la musique moderne, Debussy place d'emblée son œuvre sous le sceau de l'avant-garde musicale. Il est brièvement wagnérien en 1889, puis anticonformiste le reste de sa vie, en rejetant tous les académismes esthétiques. Avec La Mer, il renouvelle la forme symphonique ; avec Jeux, il inscrit la musique pour ballet dans un modernisme prophétique ; avec Pelléas et Mélisande, l'opéra français sort des ornières de la tradition du drame lyrique, tandis qu'il confère à la musique de chambre, avec son quatuor à cordes et son trio, des accents impressionnistes inspirés.

Musique française

La musique française est née au Moyen Âge, avec le genre proche du plain-chant grégorien, nommé organum. Elle s'est ensuite développée sous l'égide de l'école de Notre-Dame ou de l'Ars antiqua avec le conduit, un chant de procession. À cette époque, les troubadours et les trouvères affirmaient davantage l'indépendance de l'art lyrique face au clergé.

Puis dans les classes aisées s'est développée l'école de l'Ars nova autour de la création de motets et de messes, mais aussi de chansons profanes, dédiées à la distraction.

La Renaissance a vu se développer la polyphonie et le chant. À partir du tournant du xvie au xviie siècle, début de la période de la musique baroque, on vit apparaître de nouveaux genres comme l'air de cour, le ballet de cour, et la suite de danses. La musique instrumentale prit davantage d'importance. L'opéra fut introduit en France par Jean-Baptiste Lully dans les années 1670. Enfin, les chants régionaux, militaires, marins, religieux, ouvriers et paysans ont fait leur réapparition dans le patrimoine musical français ces dernières

années, notamment grâce au Chœur Montjoie Saint Denis.

Qu'est-ce que la musique?

C'est une pensée, dit le compositeur. C'est une construction, dit un autre compositeur. C'est une suite d'équations, dit le mathématicien. C'est l'art de combiner des sons, dit le musicologue. C'est une émotion, dit timidement l'amateur. C'est une révélation, dit le poète. C'est le langage de l'âme, dit l'écrivain. C'est une friponne, peste le philosophe agacé d'être distancé avec plus de force et de charme. C'est un miracle divin, dit le religieux. C'est ma vie, dit le musicien. C'est mon gagne-pain, dit un autre musicien. C'est... commence l'indécis. C'est ! tranche l'homme d'esprit. C'est quoi? demande le sourd.

Tous s'accordent sur le fait qu'il s'agit d'un mystère.